《迷魂記》評測：是希區柯克，但也只是希區柯克
太空棕熊
2022-01-04
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作者：太空棕熊
評論：
沒中文，對話也沒法跳，慎入。
《阿爾弗萊德·希區柯克——迷魂記》（以下簡稱《迷魂記》），是一款互動電影式遊戲。如果你曾經玩過，或者雲過Telltale的《奇異人生》、QuanticDream的《底特律變人》等一系列的類似作品，那麼你應該很快就能想象出《迷魂記》的大致玩法框架。
就遊戲性而言，《迷魂記》並沒有太多出挑之處。不像《行屍走肉》，《迷魂記》沒有太多所謂的劇情分支，整體流程完全單線，遊戲的重複遊玩價值少之又少。而且，《迷魂記》的敘事節奏傳統而緩慢，心理驚悚的情節表現力因人而異，單論遊玩體驗的話，並不如《奇異人生》《超凡雙生》等主題鮮明的視覺系作品。
流程10小時左右
在《迷魂記》裡，玩家能做的事情不多，步行模擬、環境調查、對話選擇、動作QTE，幾乎涵蓋了所有的可互動操作。甚至連揹包、筆記等一系列跟調查相關的玩法，也一併交給了指令碼劇情。如果要給所有互動電影式遊戲的“電影化程度”排個表，那麼像《女巫布萊爾》這樣的作品，明顯只是偏向電影敘事化的動作解謎遊戲，而這類遊戲的另一個端點，就是《迷魂記》。
在《迷魂記》之前，我個人瞭解到的最為電影化的遊戲，是《暴雨》。事實上，單純從製作層面來看，《迷魂記》跟《暴雨》有著諸多的相似之處。兩者都選用了懸疑驚悚類的劇情主題，同樣都有用搖桿QTE模擬人物動作的小設計，整體流程也大概都是角色群像之間的交叉“剪輯”。
當然，《暴雨》作為所有新世代電影互動遊戲的源點，《迷魂記》會有諸多雷同之處，也算不上什麼蓄意的巧合。但這也說明遊戲確實了無新意，缺乏玩法上的可取之處。如果說在《行屍走肉》裡，你還可以殺殺殭屍，在《奇異人生》裡，你還可以拍拍照片，那麼在《迷魂記》裡，你就真的只是坐在電影院裡，拿著手柄看大螢幕而已了。
不過，《迷魂記》也不至於完全沒有自己的玩法特色。由於本作的主題之一是心理治療，玩家扮演的心理醫師JuliaLomas，會透過催眠一類的心理治療手段，挖掘被病患掩埋在潛意識深處的真實記憶。治療過程中，玩家可以進入患者的深層記憶，調查那些被患者主動或被動遺忘的細節。
具體來說，《迷魂記》中的心理治療過程，很像是《賽博朋克2077》裡的超夢，玩家可以在一段深層回憶中快進或者倒帶，找出一段最為關鍵的記憶，對周遭的環境進行調查。調查期間，玩家可以像普通流程中一樣，在記憶場景中自由移動，挖掘各種環境資訊。但很可惜的是，作為遊戲中的主要玩法迴圈，挖掘深層記憶的重複度很高，其中也沒有任何的謎題元素可言。充其量，只是一個推動敘事的提詞器而已。
好在，《迷魂記》的聲畫表現與互動設計等等的硬體水平，在一般工業水準之上。雖然不及Telltale、QuanticDream等業界翹楚，但比之同類型的獨立作品，《迷魂記》無論是在畫面賣相，還是在隨之帶來的遊玩沉浸感上，都顯得相當紮實。整體遊玩下來，體驗十分流暢，不會有太過粗製濫造的地方，會讓你感到齣戲，或者是被噁心到。對於一款互動電影式遊戲而言，這基本也就足夠了。
開放場景
封閉場景
當然，如果以致敬改編的角度來看，《迷魂記》的美術與配樂風格，幾乎完全是為了希區柯克的原著，量身打造的。如果你跟大多數感興趣的玩家一樣，看中的是標題裡的希區柯克，那麼《迷魂記》大體不會讓你失望。雖然算不上所謂的“完美還原”，但本作基本繼承了原作的精髓，沒有任何核心上的偏離。
首先配樂上，《迷魂記》的背景音樂全部都是現場錄製的管絃和聲，其中有不少都是希區柯克電影的配樂變奏，整體風格與早年電影的舞臺劇配樂非常接近。同樣的，《迷魂記》也使用了老電影中常見的“米老鼠式配樂”，電影的聲效與畫面的結合度很高。角色身處不同的環境，或者遭遇突然的事件時，配樂的風格會發生急速的變化，能帶給玩家很強的戲劇觀感。
經典鏡頭，BGM拉滿
但配樂的舞臺劇化，也產生了一系列的問題。比如，大多數場景中的背景音樂都會重複播放多次，但由於管絃樂本身的存在感特別強，很快你就會因為某一段重複的旋律而感到齣戲。相應地，對於剪輯嚴謹的電影來說，固定節點的蒙太奇是跟配樂切換相互錨定的，並不會導致這樣的問題。這就好像你看一部電影，某個場景的BGM迴圈播放了好多遍一樣，感官上非常的廉價與滑稽。
同樣，遊戲的畫面表現，也出現了題材上的水土不服。
其中，過於“漫長”且頻繁的載入介面，是《迷魂記》作為一款“電影化”遊戲的最大弊病。之前提到，《迷魂記》的玩法框架是心理治療，而心理治療的過程需要在現實與回憶之間反覆橫跳。視回憶長短，每次讀取場景都需要5秒到10秒的載入時間。想象一下，你正在觀看《火影忍者》裡的注水集，幾乎通篇都是角色在閃回，結果每閃一次，螢幕就要白上5秒以上，閃回結束又白上幾秒，那會是一種多麼蛋疼的體驗。
這種頻繁出現的載入介面，對於電影的蒙太奇式敘事表達，非常不利。尤其是在切入關鍵劇情的時候，5秒鐘的載入時間不止會切斷響噹噹的背景音樂，讓周遭陷入一陣安靜的尷尬，還會一刀切斷你對故事與人物的情感代入，讓你感覺自己確實就是個置身事外的看客。
當然，載入慢的問題也算情有可原，畢竟《迷魂記》是衝著電影的視聽感受來的，他的鏡頭語言比同類型的互動遊戲，要複雜很多。除了最常見的對話正反打之外，《迷魂記》中還出現了大量的主觀窺視、俯視遠景、畫幅拼接等等的特殊運鏡，這些運鏡畫面都會涉及到額外的場景載入。最佳化上的妥協，幾乎是必然。
而遊戲最終的視聽效果證明，這些妥協在大體上，還是值得的。
希區柯克變焦
刁鑽的主觀視角
複雜運鏡
大場景垂直運鏡
除了影視化的運鏡，遊戲《迷魂記》還傳達了原作的另一項獨特視覺語言——“色彩”。
上世紀60年代，色彩對於電影來說，還是非常燒錢的東西，好鋼要用在刀刃上。現在的電影常用統一色調的濾鏡，給電影鍍上一套色系，好讓畫面更加乾淨整體。老電影則正好相反，畫面佈景儘量乾淨整潔，色調反而要大膽，要有所寓意。
拍攝於1958年的《迷魂記》，正是色彩應用的教科書級作品。
電影《迷魂記》中，顏色代表著對應的心理特徵，紅色代表熱愛，但也意味著偏執與瘋狂，綠色代表沉穩，但也象徵著絕望與不安。當角色陷入極端情緒時，畫面會被單一的色調侵佔，讓觀眾從視覺上產生被害的不適感，從而引發特定的情緒波動。早期的恐怖驚悚類電影，很多都會採用這樣的配色，如《陰陽路》系列、《活魔人》等。
在遊戲《迷魂記》中，同樣出現了不少以色彩渲染畫面情緒的視覺語言，而且往往出現得恰到好處，確實有希區柯克的用色
瘋狂
絕望
混亂
最後，該說說最重要，也是最沒得可聊的劇情了。
《迷魂記》的同名原著電影（Vertigo），是心理恐怖型別片大師——阿爾弗雷德·希區柯克的作品。作為此型別影片的開山鼻祖，希區柯克的作品為大量後世的心理恐怖片、懸疑驚悚片，提供了一個從概念到技法的完整藍圖。
《迷魂記》的電影原作，講述了一個有關自我定義、身份認知以及情緒投射的成長故事。希區柯克以一種特定的心理現象——眩暈症（Vertigo）作為意象，探討了人類個體在面對來自外界社會的複雜定義時，所產生的身份認同危機。在1958年上映的《迷魂記》中，希區柯克使用了開創性的視聽語言，表現出了恐高者在高處時所感到的眩暈、腿軟等主觀感受，並將之與個體心智在群體中的失序表現，進行了巧妙地掛鉤。
在電影中，罹患眩暈症的主角，是一位中年警探。因為在高處目睹了同事的墜亡，這位名叫JohnFerguson的警探得了非常嚴重的眩暈症，一旦來到高處，就會眩暈昏厥。嚴重的心理障礙與自責情緒，使得John只能提前過上了退休生活。然而，一起離奇的命案奪走了John的至愛，使他再度陷入了徹底的迷茫。
遊戲的故事主軸，同樣是一位眩暈症患者的心路歷程。
遊戲《迷魂記》的主人公EdMiller，是一位暢銷小說作家，他的童年非常不幸，母親和妹妹死於車禍，目睹父親跳橋自殺之後，年幼的Ed患上眩暈症。在後續的成長過程中，Ed逐漸形成了偏執的人格，他變得愈發暴躁，時常缺乏安全感。遊戲剛開始，剛成家不久的Ed又遭遇了一場車禍，童年悲劇再度重演，讓他的生活陷入了徹底的混亂。
從劇本結構來看，無論出於時代侷限，還是題材體量，本作都有著顯而易見的優勢。10個小時的流程，保證了人物形象的立體性，也讓情節有了更多的發展空間。遊戲的線索時間更長，涉及的角色群像更多，同時，情節也沒有從自我窺視的主題中抽離出去，交叉敘事的邏輯順序合理，沒有任何劇情漏洞。劇情中，串聯全片的“麥高芬”也不在少數，甚至某種意義上，希區柯克大師自己就是其中之一。
右上角彩蛋
拋開其他不談，至少劇情方面，《迷魂記》確實緊扣了電影的精神核心。
總的來說，《迷魂記》是一部相當合格的粉絲致敬作品，它盡其所能，嘗試用電子遊戲的表達形式，還原出了屬於電影的質感。這是它最大的優點，但也是最大的問題所在。作為一款遊戲，《迷魂記》幾乎沒有屬於自己的玩法特色，相反，過度的影視化，大大拖慢了遊戲的整體節奏，使得整個遊玩體驗變得十分黏稠。
對於一部老電影而言，這樣的敘事節奏或許沒有問題，但對於遊戲而言，這顯然就不太合適了。Telltale會給自己的遊戲分章節，控制單次遊戲的體量，也不單純只是在偷懶坑錢。
個人認為，雖然電子遊戲是融合了電影、遊戲等等的綜合藝術表達，但這並不代表電子遊戲就可以全面沿用其他文藝作品的創作思路，我們還是會需要一些屬於電子遊戲自己的東西。
至少，也請先做到好玩吧。
3DM評分：7。5